Entrevista en Media Limón

El reto es el estímulo primero que lleva a la artista plástica Lourdes Fisa (Corbera de Llobregat, 1964) a jugar con los materiales, las formas y las texturas en un verdadero camino de descubrimiento que no tiene fin. Y esa es la gracia. El cambio continuo que nos invita, día a día, a evolucionar y adaptarnos al entorno es el revulsivo que hay detrás de «Atlas» (Tinglado 1. Tarragona. Del 26 de abril al 3 de junio de 2018), la próxima exposición del artista. Pero, también, un argumento constante y persistente en toda su obra. Fisa vive inmersa en una estética-poética o una poética-estética que la envuelve y la acompaña desde sus inicios. Es decir, desde siempre. Así, itinerantes y claramente identificables, sus obras evolucionan y mutan. Vibran de nuevas sensaciones y se encomiendan de las rutinas y las dinámicas de su vivir diario. Y así van transitando, de Barcelona a Tarragona y de Tarragona a Lisboa (próxima expo: «AQVA sobre AGUA». 30 de septiembre en el Museo Lisboa del Teatro Romano)… y de Lisboa quién sabe… En un ritmo alegre, inquieto y curioso. Como ella. Auténtica. Pintora? No, observadora del entorno.

Expones desde el año 1989. Cerca de 30 años dedicándote al arte. ¿Vas a tener claro desde muy joven que querías dedicarte a ello?

No fue una decisión repentina, fue fruto de un poso. Siempre me había interesado todo aquello que estaba vinculado con el arte, pero no me lo había planteado, de entrada, como una profesión. Estudié bellas artes, pero no para ser pintora. Me interesaba todo: el diseño, la fotografía, el dibujo, la pintura… y mi pensamiento era: por el camino ya irás viendo. Y el camino te va llevando: vas ampliando conocimientos y experiencias y se te van abriendo puertas. Y, después de las estancias que hice en universidades de Alemania, investigando sobre grabado y estampación, y luego en el Art Institute de Chicago, ya empecé a exponer.

Marchar fuera, aprender de otras culturas, enriqueció mucho tu obra?

Fue la clave de mi evolución. Cuando llegué a Alemania no sabía mucho la lengua y salí de mi zona de confort. De repente, encontrarme en un entorno nuevo que no dominaba fue la base de mi autoconocimiento. No lo había hecho nunca. Y eso me sirvió para plantearme cosas nuevas: «¿Qué encuentro? ¿Qué veo?» Y, por otro lado, me permitió conocer una sociedad diferente. Estaba en una ciudad cerca de Berlín y todavía existía la separación del muro. Eso fue, para mí, un impacto, y también el hecho de plantearme: «Por suerte yo estoy en un territorio de libertad, pero según donde hubiera nacido podía estar al otro lado». Eso me hizo plantear conceptos como la libertad, las fronteras… conceptos muy amplios que todavía hoy llevo en el corazón. Aquí hubo un gran cambio.

Un antes y un después.

También en mis trabajos. Yo pintaba lo que veía: figuras humanas, paisajes, narices muertas… Siempre necesitaba un referente. Cuando llegué a Alemania y a los Estados Unidos y la mirada, en lugar de ser hacia afuera, empezó a ser hacia adentro, cambió mi manera de interpretar. Me empecé a cuestionar conceptos más abstractos que me acercan al arte más abstracto. De hecho, cuando yo trabajo no quiero que mi obra sea un objeto decorativo para un espacio, sino que detrás, la persona reciba algo más allá. Pienso mucho en el ser humano, en los obstáculos de ofuscamiento que debemos saltar, y la necesidad, como sociedad, de buscar la luz. Por eso trabajo tanto la luz. Y, de hecho, trabajando la luz trabajo la oscuridad. Me interesa el dualismo de las cosas.

Haces un trabajo de exploración continuado, en temas y en materiales, pero, al final, es fácil identificar «un Fisa». ¿Cómo definirías tu estilo?

Hace años algunos profesores y galeristas ya me dijeron que tenía un estilo que se identificaba muy claramente. No sé cómo lo definiría, pero sí que mi idea es que, haga lo que haga, tengo que sentirme yo. He de sentirme con una sinceridad absoluta. Por eso mis dudas, mis alegrías, mis penas… eso es lo que se encuentra en mis cuadros. Las sobreposiciones, la idea de collage: poner-sacar. Al final son búsquedas que se transmiten en mis cuadros. ¿Y qué busco? Busco, busco… y sólo cuando he acabado el cuadro sé qué busco. Mientras lo estoy haciendo estoy dialogando, pero no sé qué estoy buscando.

¿Tu fuente de inspiración es tu día a día?

Es todo lo que me rodea, tanto a nivel personal, como de sociedad como de humanidad. Esta visión también me ha acercado a diferentes disciplinas. Pensar hacia dónde avanzamos como sociedad, de dónde venimos… Y el arte es una manera de canalizar la inquietud del ser humano. Trabajo con muchos materiales y técnicas, justo porque la vida en sí es complicada. No tenemos un camino llano. Yo he vivido el franquismo, el antes y el después de las guerras frías y los comunismos… y actualmente vivimos unos momentos muy delicados donde se cuestionan derechos que dábamos por sólidos, y eso me preocupa mucho. El arte es un espacio de reflexión, de buscar certezas.

¿Tienes una rutina creativa? ¿Cómo trabajas?

Necesito obligarme a ir al estudio y tener la rutina de estarme en el espacio creativo. Todos los pensamientos que he ido adquiriendo fuera, con la observación, me salen creativamente dentro del estudio remendando los materiales y encontrando este espacio vacío donde te empiezan a surgir las cosas. La creatividad, la inspiración, como decía Picasso, te tiene que coger trabajando.

Al final, con los años, ¿tu trabajo se ha convertido en un estilo de vida?

Totalmente. Es una manera de pensar. Es como una filosofía. Yo no tengo por qué estar siempre creando o dibujando o pintando. Muchas veces lo hago a través de pensar, de observar. Es la mirada. Cómo te miras la realidad, el entorno, las cosas que te rodean. A todo lo que hago le doy un sentido que me sirve, después, para desarrollarlo con la creatividad. Ver unas noticias, encontrarte con un problema, mantener una charla agradable con un amigo… Todo se canaliza hacia una investigación que puedo trasladar a mi proyecto creativo.

Ha habido siempre el mito de que la vida del artista es una vida bohemia. ¿Es un tópico?

Primero deberíamos preguntarnos «¿Qué quiere decir que sea una vida bohemia o estandarizada?». Puede ser bohemio el pensamiento, porque el pensamiento es ilimitado. Evidentemente que el arte es libre y te expande, pero eso no quiere decir que, como artista, sigas el típico concepto romántico del artista del siglo pasado que perseguía la vida bohemia entendida como hacer lo que quieres. De hecho, mi vida es muy similar a la de muchos otros. Yo tengo una familia y respondo a muchas de las cosas típicas. Pero, como artista, siempre buscas este espacio de salir de la cotidianidad, porque el arte va más allá. Es buscar caminos abiertos que no te encasillen. La clave es saber encontrar un equilibrio.

¿Cómo habías vivido el arte en tu casa, de pequeña?

Mi familia viene de la restauración. Son hoteleros: «Can Fisa», de un pueblo muy cerca de Barcelona. Y eso siempre me ha hecho tener muy presente el tránsito de las personas, maletas, viajes, cambios… El ambiente en casa siempre ha sido muy emprendedor, con muchas inquietudes. Y, al final, nosotros somos cuatro hermanos y todos hemos hecho cosas diferentes, pero siempre ha habido un denominador común en todos nosotros que es la inquietud en lo que hacemos. Yo tuve un entorno muy favorable, de confianza. Me enseñaron mucho bajo la premisa que dice: «Haz lo que quieras, pero hazlo con la máxima implicación, al 100%». He tenido mucho apoyo del entorno y eso es de agradecer, ya que siempre que vas contra corriente tener unos puntales que te hagan ver que lo que estás haciendo es válido te da mucha seguridad.

¿Cuesta vivir del arte?

Sí, sí. Sí cuesta. Como te lo explico (ríe)… Bien, tienes que ser muy tozudo. Es un acto de resistencia. Creer en lo que haces y seguir adelante. A veces los pasos son más poco a poco, a veces más grandes, pero la cuestión es ir siempre adelante. Tengo la suerte de que todo lo que he ido haciendo ha estado relacionado con el mundo del arte y eso me hace sentir afortunada. Traspasar la creatividad a otras personas también me parece muy interesante, por ejemplo… pienso que todo ser humano debería tener la opción de conocer el arte y disfrutarlo. Yo estoy muy agradecida al arte, me ha aportado una mirada nueva a las cosas. Y es que no todo es de una sola manera ni de un solo color. Entre el blanco y el negro hay una infinidad de matices y colores, y en la propia vida también es así. El arte me obliga a mirar las cosas del revés, buscar alternativas, improvisar y, sobre todo, a tener amplitud de mira.

«Estoy muy agradecida al arte, me ha aportado una mirada nueva a las cosas. Y es que no todo es de una sola manera ni de un solo color. Entre el blanco y el negro hay una infinidad de matices»

De hecho, tú puedes pintar un cuadro con unas emociones y otra persona puede interpretar algo totalmente diferente.

Sí, porque es su mirada. Pienso que la obra no acaba de estar realizada hasta que no hay una mirada detrás, la del espectador. ¿Por qué existiría una obra si no la mirara nadie? Por lo tanto, necesitamos esa mirada del espectador que se acaba de hacer la obra suya. Y es igual que el espectador no interprete lo que el artista ha querido decir. Quizás recibe lo que a él le puede interesar. Y aquí está el más interesante de cualquier medio creativo. Esta interacción hace que las cosas se baiguen y no sean estáticas.

Por lo tanto, es importante educar la mirada. Y empezar desde muy pequeños, oye?

En estos últimos años estoy colaborando con algunos centros educativos precisamente en eso. ¿Por qué perdemos la mirada innata del niño? Eso me preocupa… ¿Somos nosotros, los adultos, los que los estandarizamos y los obligamos a mirar las cosas de una manera más acotada? Tenemos el reto de acompañar a este niño, pero no de acotarlo. Porque si no, cuando somos adultos miramos las cosas de una manera muy unidireccional. El arte nos hace más libres y más críticos con las cosas. El arte nos sacude y nos permite pensar que las cosas pueden ser de una manera diferente y, por lo tanto, querer cambiarlas.

¿Faltan cambios en la educación?

Debe haber cambios y reformas en este sentido, educar a través de la creatividad. Porque la creatividad no es hacer objetos o pintar un cuadro. Es el pensamiento. El arte no es ir a buscar resultados para que quede bonito. Lo interesante es el proceso. Lo que tú aprendes con ese proceso. Es gracias al proceso, que entiendes cosas. En otras sociedades, en el extranjero, es muy importante el aprendizaje como ser humano: un aprendizaje de las humanidades. Porque es una formación como persona y es un complemento que puedes aplicar hagas el trabajo que hagas. Aquí eso nos falta, separamos mucho todas las disciplinas.

Tú puedes ser un poco niña, en este sentido. El arte te permite experimentar.

Sí, totalmente. Joan Miró decía que quería llegar a los 90 siguiendo explorando. Por eso, haga lo que haga, la premisa es seguir aprendiendo. Por lo tanto, cuando veo que un medio lo domino bastante o sé que me saldré bien o no hay una exploración, lo dejo y busco otro reto. Es con el reto que siento que creo. Yo miro atrás y digo: «Cuántas cosas sé que no sabía antes». Y, entonces, miro adelante y me dijo: «Y cuántas cosas me quedan por aprender». ¡El conocimiento es inmenso! De hecho, mi obra va muy relacionada con la idea de camino, exploración, recorrido… estos son mis temas. También trabajo mucho la idea de huella, rastro… Me interesa de dónde venimos y hacia dónde vamos. Es un camino que no se acaba nunca. Por eso es tan apasionante.

«Me interesa de dónde venimos y hacia dónde vamos. Es un camino que no se acaba nunca. Por eso es tan apasionante»

Y al margen de la pintura, ¿qué apasiona a Lourdes Fisa?

Mi pasión es viajar porque me permite tener la mente muy alerta y muy despierta, para ver cosas diferentes y gente diferente. Es un enriquecimiento personal. Si no puedes viajar lejos, es igual, se pueden hacer viajes más cerca o viajar mentalmente. La cuestión es estar en movimiento. A veces puede funcionar, incluso, ir en tren. Buscar recursos para no estancarse. Esta es la lucha: intentar estar siempre creativa. Las cosas no vienen solas, hay que tener la mente siempre en acción e ilusión. Es un trabajo que luego se debe poder trasladar a la obra para que sea espontánea, fresca y atrevida.

Explicame el próximo proyecto que tienes entre manos.

Estoy preparando la exposición «Atlas», que es una exposición que irá al Tinglado 1 del Puerto de Tarragona. Y con este espacio, justo frente al mar, estoy preparando un trabajo que parte de la recopilación de varias obras que acaban dando forma a la idea de Atlas. Siempre me ha interesado la idea de espacio y tiempo. Y, en este sentido, el atlas me concreta el espacio entendido como espacio geográfico, ubicación (donde somos nosotros como individuos), el aire, la tierra, el espacio que nos rodea… y, por otro lado, el tiempo: somos un antes y un después. En esta exposición mezclan obras que están hechas desde hace años y que conviven conmigo en el estudio, pero las reviso, las transformo y las hago interactuar en el espacio en el conjunto de este nuevo atlas. Me interesa mucho la idea de movimiento. Nada es estático, como decía Heráclito.

Otro reto.

Presentaré propuestas en tela, madera, aluminio, hierro y, también, investigaciones de grabado sobre papel, que hace años que estoy investigando, pero también grabado sobre vidrio, jugando con las transparencias. Como hay toda una diversidad, el reto es ver cómo lo presento de una manera armónica y adaptada al entorno. Sobre todo jugando mucho con el entorno. Mis obras las compongo dependiendo del contexto y el entorno, porque el espacio que las debe contener forma parte del proceso.